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Mulholland Drive: le chef-d’œuvre du cinéma surréaliste

Quiconque connaît un peu le travail de David Lynch vous saurez que chaque nouvel opus, quel que soit son format et sa présentation, est en proie à une infinité de symbolisme et de références qui donnent l’impression d’être conçu pour la seule compréhension de son auteur.

Fait intéressant, cela a fait de lui le centre d’attention d’une foule de critiques, d’universitaires et de téléspectateurs causaux qui ne peuvent s’empêcher de se sentir séduits par les environnements surréalistes qui Lyncher construit avec une telle facilité, étant l’une de ses œuvres les plus honorées et les plus étudiées, son drame mystérieux créé en 2001: «Mulholland Drive».

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Le film commence avec l’arrivée de Betty Elms (interprétée par Naomi Watts) à la ville de Les anges. C’est une actrice en herbe qui rêve de devenir une star qui séjourne temporairement dans l’appartement de sa tante.

Ce sera alors quand il rencontrera Rita (Laura Harring) une femme amnésique causée par un accident survenu Mulholland Drive. Tous deux mèneraient une enquête approfondie sur qui est Rita et les raisons pour lesquelles il est venu en ville.

Il doit y avoir une raison pour laquelle un film aussi ouvertement indéchiffrable a été choisi pour BBC comme « Le plus grand film du 21ème siècle. » Bien que ce ne soit pas un produit facile à digérer et encore moins à comprendre, Lynch nous transporte dans un voyage fascinant dans lequel, superficiellement du moins, il est vu comme une critique de l’industrie hollywoodienne et une recherche profonde d’identité.

Lyncher est un cinéaste qui sait jouer avec l’attente du public, semant des indices qui pourraient présenter une idée de la façon dont l’intrigue pourrait se dérouler pour enfin détruire ses décors préfabriqués et décider au milieu de l’action qu’il empruntera un chemin sans rapport apparent avec le ton de ruban.

Depuis sa création, le film a été identifié comme un puzzle complexe dont il y a encore des discussions ouvertes sur sa chronologie et dans lequel on cherche à déchiffrer les déclencheurs de son action. Est-ce un rêve ou est-ce juste une intrigue non linéaire? Est-ce un rêve collectif ou est-ce juste un produit de l’esprit de Naomi Watts?

Malgré le manque apparent de cohérence, les images parviennent à se présenter comme un micro-univers plein de détails qui, d’une certaine manière encore inconnus (à l’exception de Lynch, peut-être) parviennent à se connecter les uns aux autres.

Le film parvient également à présenter une critique approfondie du star system dans Hollywood et les visages qui la contrôlent, à commencer par une représentation quelque peu ringarde et mélodramatique des aspirations à la gloire, qui finit par devenir le théâtre d’un cauchemar dont on ne peut se réveiller.

Lyncher est conscient des tropes et des scénarios communs dans lesquels il construit les fondations de son histoire, il décide donc d’embrasser le style du cinéma indépendant en proposant un récit complètement étranger auquel Hollywood et leurs produits prêts à l’emploi ont habitué leur public.

La décision de centrer l’intrigue sur une romance lesbienne implique clairement un potentiel gaspillé dans le cinéma commercial de l’époque pour présenter des intrigues profondes impliquant des membres de la communauté. LGBT, et bien que maintenant nous ayons déjà d’excellentes références telles que « montagne de Brokeback » et « Appelez-moi par votre nom», Il y a encore beaucoup de chemin à parcourir dans ce domaine.

La séquence dans le « Club de silenceC’est celui qui peut parfaitement résumer le but du film, s’il y en avait un en premier lieu. Le maître de cérémonie prévient dès le début son public que tout ce qui est entendu dans la salle n’est rien de plus qu’une bande préenregistrée, et que les artistes ne font que l’imiter.

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Pourtant le chant amer de Rebekah del Rio et son interprétation en espagnol de «Sining« de Roy Orbison se déplace Betty et Ritta au point de les maintenir au bord des larmes. L’évanouissement soudain de l’artiste et le fait que sa voix continue de résonner sur scène prouvent la tromperie.

C’est peut-être le sujet de ce film, de la même manière que tout autre film digne de mémoire. Peu importe que tout soit un canular ou qu’il n’y ait aucune signification derrière ce que nous voyons. Ce sont les émotions générées chez le spectateur qui comptent vraiment, ce qui reste avec nous lorsque le générique final arrive.

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