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Comment «Finding Nemo» a changé la dynamique de puissance entre Disney et Pixar


(Infinity and Beyond est une chronique bihebdomadaire documentant les 25 ans de filmographie de Pixar Animation Studios, film par film. Dans la colonne d’aujourd’hui, l’écrivain Josh Spiegel met en évidence Le monde de nemo.)

Pixar Animation Studios ne s’était pas trompé avec ses quatre premiers longs métrages. Bien qu’ils ne soient pas tous parfaits, les deux films de Toy Story, A Bug’s Life et Monsters, Inc. ont eu leur juste part de fans, d’éloges critiques et de récompenses. De plus, chacun des films a été un grand succès au box-office mondial, Monsters, Inc. étant le plus gros succès de tous. Refaire une suite en neuf mois? Facile. Repousser les allégations de plagiat? Pas de transpiration. Leurs films étaient même devenus si instantanément célèbres que la Walt Disney Company les utilisait comme base pour des promenades dans des parcs à thème, des marchandises et bien plus encore. Hell, A Bug’s Life a inspiré une terre à thème dans Disney’s California Adventure lors de son ouverture en février 2001.

Pourtant, sous la surface, il y avait des problèmes de brassage. Aussi impressionnant que fût le bilan de Pixar jusqu’à présent, le PDG de la Walt Disney Company, Michael Eisner, était convaincu qu’ils devaient être vérifiés. Cette phrase n’est pas seulement un caprice de cet écrivain – c’est une phrase qu’il a utilisée pour communiquer avec le conseil d’administration de Disney avant le cinquième long métrage du studio. Il avait vu les premières coupures du titre à venir et n’était pas impressionné par le résultat. C’était l’histoire d’un poisson-clown névrosé dont le fils disparaît dans l’immensité de l’océan Pacifique. Et Eisner était convaincu que la façon dont le public réagissait au film rappellerait à Pixar qui était vraiment le patron de leur accord de distribution.

Avec le recul, nous pouvons dire que Finding Nemo a en effet servi de rappel de qui était le patron entre Pixar et Disney. Ce n’était tout simplement pas la réponse que Michael Eisner attendait ou voulait.

Je sais drôle

Les commentaires d’Eisner se trouvaient dans une lettre de la fin de l’été 2002, et à son crédit (bien que cela ne fasse pas grand-chose maintenant pour clarifier), la version qu’il a vue de Finding Nemo n’est pas la version que nous connaissons tous. Comme cela a été le cas jusqu’à présent dans la série, et continuera d’être vrai pour un certain nombre de futurs titres, Finding Nemo a subi des révisions drastiques avant son arrivée dans les salles à l’été 2003. Mais la combativité d’Eisner envers Pixar s’était étendue au-delà de ce film spécifique, remontant à la fin des années 1990.

A cette époque, comme discuté en 2003 dans le magazine New York, le nouveau président de studio de Disney, Joe Roth, est venu à Eisner avec une idée. Bien que Pixar, basé près de San Francisco, n’ait réalisé qu’un seul film à ce moment-là, ils étaient en hausse et l’industrie de l’animation avait été ébranlée par le succès de Toy Story. Pourquoi pas, a proposé Roth, acheter Pixar? John Lasseter pourrait aider à revitaliser l’unité d’animation Disney en déclin, et l’ensemble du studio pourrait changer son avenir du jour au lendemain. « Eisner a jeté Roth hors de son bureau », conclut l’article. L’achat de Pixar n’était pas dans les cartes alors pour Michael Eisner.

Et quand Eisner a regardé la version de Finding Nemo qui l’a amené à présumer une prochaine vérification de la réalité, il s’est senti probablement enhardi. L’histoire est celle que nous connaissons tous – un poisson-clown veuf avec un seul fils, le Nemo, impatient et physiquement marqué, poursuit ses recherches après que son fils a été pris par un plongeur humain, et est rejoint par un Blue Tang, voleur et amical. Mais la disposition de l’histoire était différente d’une manière clé qui n’avait guère de sens dramatique.

Continue de nager

La scène d’ouverture de Finding Nemo est d’abord charmante avant de devenir inquiétante puis obsédante: Marlin (exprimé brillamment par Albert Brooks) et sa femme Coral (Elizabeth Perkins) regardent avec amour leur énorme couvée d’oeufs de poisson, avant de flirter un peu dans le patch d’anémone ils appellent à la maison. Et puis, ils sont choqués de voir le reste du récif disparaître rapidement à cause de l’arrivée d’un barracuda sanguinaire. Marlin essaie de faire reculer Coral, mais elle est incapable de donner un coup de pied à son gène protecteur. Elle va barricader le prédateur de leurs œufs, seulement pour être tuée, et faire manger tous les œufs sauf un. En fin de compte, Marlin nomme l’œuf restant Nemo (un nom auquel Coral pensait avant sa mort) et promet de protéger Nemo quoi qu’il arrive.

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Ce n’est pas la scène d’ouverture que Michael Eisner a vue avant cette lettre dédaigneuse au conseil d’administration de Disney. Albert Brooks n’était pas non plus la voix originale du héros nebbishy. Au début, Pixar avait interprété quelqu’un d’autre comme Marlin: William H. Macy, l’un des grands acteurs de personnages américains modernes. À première vue, Macy semble être le type d’acteur parfait pour incarner un père intensément concentré, désespéré, aimant mais frustré. Cependant, la combinaison de Macy et d’une série de flashbacks qui ont progressivement révélé les détails de cette scène d’ouverture n’a fait que Marlin sembler désagréable pour la plupart du film.

La structure du flashback est peut-être la principale raison pour laquelle Finding Nemo ne fonctionnait pas au début. Le film que nous avons tous vu n’a pas de flash-back à proprement parler; nous apprenons instantanément ce qui est arrivé à la femme de Marlin et aux autres enfants, ce qui clarifie immédiatement pourquoi il est si névrosé par la suite. (Rappelez-vous, dans cette scène d’ouverture, Marlin est le seul parent prêchant une approche plus calme face à la terreur.) La version précédente a distribué l’histoire de Marlin et Coral à petites doses, pour finalement clarifier ce qui lui est vraiment arrivé, et ce qui a fait Marlin si surprotecteur. L’écrivain / réalisateur Andrew Stanton, sur la piste de commentaires pour le DVD, a reconnu que la grande clé pour supprimer les flashbacks était l’absence d’une révélation majeure – même sous sa forme de flashback, le résultat était le même, et retarder la prise de conscience du public n’a servi que pour les aliéner. (Il convient de noter, cependant, que Stanton doit vraiment apprécier ce truc de narration: son adaptation en direct / CG de John Carter en 2012 distribue la trame sombre du personnage principal de la même manière, jusqu’à la partie où sa femme et ses enfants La suite de Finding Nemo, le film Finding Dory de 2016, taquine également la trame de fond du personnage principal par flash-back.)

Les poissons sont amis

Et même si ce n’était pas le cas, il y avait un autre problème inévitable avec le casting de Marlin. Aussi énormément talentueux que William H. Macy l’était, il n’était pas le bon mélange de drôle et attrayant en tant que héros. Et donc, à mi-chemin de la production, Macy a été refondue avec la star et l’auteur de comédies incroyables comme Lost in America et Real Life. Albert Brooks avait une voix off à son actif au moment de son embauche. Il était apparu dans une poignée d’épisodes des Simpsons et avait fourni la voix d’un tigre névrosé dans le remake de 1998 du Dr Dolittle. Mais son travail en tant que Marlin représenterait à la fois une merveilleuse encapsulation de son style de comédie et un moyen parfait de rendre le personnage charmant et frustrant à la fois.

Charmant et frustrant à la fois est une encapsulation tout aussi parfaite du personnage auquel Marlin est associé dans sa recherche de son fils. Ce serait Dory, le Blue Tang qui souffre d’une perte de mémoire à court terme. Stanton, selon le commentaire du DVD, a été inspirée pour interpréter la comédienne et actrice Ellen DeGeneres après avoir regardé un épisode de sa sitcom ABC Ellen dans laquelle elle « a changé de sujet cinq fois avant de terminer une phrase ». DeGeneres, en 2003, commençait à peine à ressentir un second souffle dans sa renommée qui a duré près de deux décennies. (Ellen avait depuis longtemps été annulée, avec le célèbre « Puppy Episode » dans lequel le personnage est sorti comme lesbienne, un peu comme l’actrice elle-même, étant à la fois largement vue et très controversée.) DeGeneres avait maintenu sa carrière debout, bien que ; quelques semaines seulement après la première de Finding Nemo, HBO a diffusé sa meilleure spéciale à ce jour, Here and Now. Et quelques mois plus tard, son talk-show de jour a commencé à être diffusé en syndication. D’une manière étrange, sa célébrité a commencé juste ici.

Il y a eu une autre refonte notable, montrant un peu la façon dont Pixar a tenté de résoudre autant de caractérisation que possible par le casting et par la scénarisation. Bien que l’on ne sache pas quel rôle elle jouait, Megan Mullally avait été choisie pour interpréter un personnage du film. (Si je devais deviner, et c’est juste cela, je dirais qu’elle aurait joué Deb, le poisson d’aquarium à l’esprit dispersé qui pense que son reflet est sa sœur jumelle.) Mullally, à l’époque, était mieux connue sous le nom de Karen à voix aiguë sur la sitcom NBC Will and Grace. Son casting, comme elle l’a finalement réalisé, était basé sur l’attente qu’elle ferait la même voix pour le film d’animation, bien que ce ne soit pas sa voix naturelle. Quand elle a refusé, elle a été relâchée.

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Prenez une coquille

Visuellement, le plus grand défi de Finding Nemo était un défi pour tout animateur: une majorité du film allait, naturellement, se dérouler sous l’eau. Bien que l’animation de l’eau n’ait pas été aussi difficile que l’animation des humains via un ordinateur, ce n’était pas une tâche facile. Pourtant, Stanton avait cru dès 1992 (trois ans avant que le premier film d’animation par ordinateur de Pixar soit une réalité) que l’animation par ordinateur serait plus bien équipée pour relever le défi de la mer que l’animation dessinée à la main, comme indiqué dans le Documentaire de Leslie Iwerks The Pixar Story. Au final, l’animation de Finding Nemo n’a jamais été un vrai problème; comme avec les précédents films Pixar, les humains faisaient partie du film sans être si dominants qu’ils soient distrayants ou visuellement désagréables. Et la représentation des océans près de l’Australie est agréable à regarder même 17 ans plus tard. Visuellement, Finding Nemo représente un tournant pour Pixar. La plasticité des personnages et des paramètres précédents, un problème naturel à aborder avec les technologies informatiques antérieures, avait disparu. Le caractère et la conception de la production sont remarquablement riches, pleins de profondeur et de couleurs vibrantes.

Bien sûr, cela importait peu à Michael Eisner, à une époque où la relation entre Disney et Pixar ne pouvait pas être plus difficile. Avec le recul, l’explication de la raison pour laquelle Eisner n’a pas évalué Pixar comme il aurait peut-être dû se concentrer en grande partie sur l’un des visages publics du studio d’animation parvenu à l’époque: le regretté Steve Jobs. Dire qu’Eisner et Jobs ne s’entendaient pas serait un peu à la légère. Ils avaient constamment donné des coups de tête, dès la sortie du Toy Story original (ce qui pourrait facilement expliquer pourquoi Eisner était si mécontent de la suggestion de Joe Roth de racheter Pixar en 1997).

Robert Iger, l’homme qui remplacerait Eisner en tant que PDG de la Walt Disney Company, a raconté à l’auteur Walter Isaacson dans sa biographie de Jobs, « [Michael] je n’ai jamais senti qu’il avait autant besoin de Pixar que lui. » La fierté qu’Eisner ressentait envers Walt Disney Animation Studios était, à l’époque, compréhensible mais aussi largement déplacée. Il était vrai que les premiers succès de la Renaissance de Disney avaient permis au studio d’élargir sa portée d’animation avec Pixar. Mais l’arrière-moitié des années 1990 et le début des années 2000 n’étaient pas des années fortes pour Disney Animation au box-office. (Au cours des huit années qui se sont écoulées entre le premier film de Pixar et Finding Nemo, seuls trois films sortis par la Walt Disney Company ont rapporté plus d’argent qu’un seul titre Pixar: Armageddon, The Sixth Sense et Signs.)

Je suis votre Conscience

Si rien d’autre, de l’extérieur en regardant et en regardant en arrière, le refus d’Eisner de s’engager avec Pixar, et son apparente joie de les voir échouer, ne ressemble à rien de moins qu’un mauvais cas de schadenfreude. Au box-office national, les chiffres ne mentaient pas: entre 1995 et 2002, un seul film sorti directement via la bannière Walt Disney Pictures avait dépassé l’un des quatre films de Pixar: l’adaptation de Tarzan en 1999, qui dépassait A Bug’s Life de 9 $ million. (Et pendant longtemps, A Bug’s Life a été le film le moins rentable de Pixar sur une longue période.) Même le film d’animation populaire de 2002, Lilo & Stitch, n’a pas si bien réussi. Il faudrait attendre 2010 pour qu’un film de Walt Disney Animation Studios fasse mieux que Tarzan au box-office, avec l’arrivée de Tangled.

Pourtant, au début des années 2000, Michael Eisner était convaincu: Pixar était un mauvais pari, un cas de fierté avant l’automne, et Disney Animation méritait le traitement double down. Trouver Nemo prouverait simplement que Disney avait besoin de ce qu’il avait déjà: les droits de réaliser des suites de films comme Toy Story par lui-même. Bien sûr, Michael Eisner a fini par se tromper à plus d’un titre. La première coupe qu’il a vue ne reflétait pas le film final, qui est plutôt l’un des films les plus écrits de l’histoire de Pixar. L’étroitesse du script, l’ensemencement soigneux des arcs de personnages et des moments de récompense, la profondeur émotionnelle et le travail de voix brillant font tous un film qui comble le fossé entre Pixar précoce et tardif.

L’une des premières tendances dans les films de Pixar a été de transplanter des faiblesses humaines sur des personnages non humains. À quoi ressemblent les déplacements au travail lorsque nous regardons des monstres entrer et sortir, au lieu des humains? À quoi ressemble la grande ville quand elle n’est pas si grande du tout, à moins que vous n’ayez la taille d’un insecte? Ou, dans ce film, à quoi ressemble la transition des petits enfants quittant la maison pour aller à l’école pour la première fois, lorsque votre enfant est un poisson? Ces blagues finissent par être laissées dans le premier acte; ils sont drôles, mais ils sont aussi familiers jusqu’à un certain point. (L’autre partie du film qui se livre à ce genre d’humour est plus spirituelle: lorsque Nemo se retrouve dans l’aquarium du cabinet d’un dentiste, il se rend compte que les autres poissons sont là depuis si longtemps qu’ils connaissent aussi bien différents outils de dentisterie. et les procédures qu’ils traitent chaque patient comme la télévision de rendez-vous.)

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Comme, Whoa

Mais la principale relation émotionnelle de Finding Nemo est entre Marlin et Dory, qui finit par être un enfant de substitution. Il faut beaucoup de temps à Marlin tout au long de son voyage pour accepter qu’il protège trop son fils unique; ses intentions sont bonnes, bien sûr, mais il ne fait que repousser son fils. Dory, d’autre part, veut se rapprocher de Marlin (de manière platonique) simplement parce que quelque chose à son sujet et sa quête lui ont permis de conserver des souvenirs après leur date d’expiration typique. Le moment clé arrive tard, après que Marlin pense à tort que son fils est mort et envisage d’errer la mer sans but. Dory le supplie: « Quand je suis avec toi … je me souviens. » C’est une scène merveilleusement jouée par DeGeneres, et aussi le rare cas de tentatives de Pixar pour arracher des larmes à son public provenant d’un gain du troisième acte qui est méthodiquement construit dans les scènes précédentes, au lieu d’être nu conçu dès le début. Plus vous en savez sur Dory, plus ce moment est vicié.

Finding Nemo n’est pas le film le plus révolutionnaire que Pixar Animation Studios ait réalisé. Mais cela a permis à ces films révolutionnaires d’exister en repoussant les limites dramatiques de ce que l’animation familiale moderne pouvait faire, un peu plus qu’auparavant. Michael Eisner était douteux, mais au final, il avait tort. Finding Nemo n’était pas seulement le film le plus rentable que Pixar avait réalisé à ce jour, c’était le film de Disney le plus rentable de 2003. (2003 était également la même année que le premier film Pirates des Caraïbes, qui a rapporté 305 millions de dollars au niveau national.) Nemo a été un succès sans réserve – avec 339 millions de dollars au niveau national dans sa sortie initiale, le film serait le plus grand succès de Pixar jusqu’au Toy Story 3 à trois volets de 2010.

Finding Nemo a également suscité de nombreuses applaudissements de la part des critiques et des organismes récompensés. Contrairement au film Pixar précédent, celui-ci a pu remporter l’Academy Award du meilleur long métrage d’animation, marquant également des nominations pour le meilleur scénario original, la meilleure partition originale et le meilleur montage sonore. Mais en même temps, Pixar Animation Studios était prêt à partir de Disney. Eisner et Jobs étaient également têtus (bien que dans ce cas, il soit beaucoup plus facile de voir pourquoi Jobs refusait de reculer). Même si Disney Animation était sur le point de trébucher sur ses années de création et financières les plus faibles depuis longtemps, avec des titres comme Brother Bear et Home on the Range ne parvenant pas à faire une brèche au box-office, Eisner était prêt à laisser Pixar partir, au moins pour maintenir un semblant de fierté.

Mais pas encore. Pixar avait deux autres films à livrer, dont le premier d’un cinéaste extérieur, quelqu’un qui n’était pas installé dans la culture de Pixar depuis le premier jour. Et contrairement à leurs efforts précédents, ce réalisateur n’allait pas faire des humains un spectacle secondaire, mais l’attraction principale.

***

La prochaine fois: préparez-vous à quelque chose d’incroyable.

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